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钱文

钱文又名钱十茁,男,1963年1月生于吉林东丰,1986年毕业于东北师范大学美术系,1995~1997年在中央美术学院油画系第九届硕士研究生课程班学习。 现为教授、中国美术家协会会员、油画家。代表作有《风》《雨》《雪》《关东娃》《关东十月》。

【词语】:钱文

【注音】:qián wén

钱文:古代钱币上的文字。

钱文(又名钱十茁)教授、中国美术家协会会员、油画家 1963年1月生于吉林东丰、1986年毕业于东北师范大学美术系、1995~1997年在中央美术学院油画系第九届硕士研究生课程班学习。1994年油画《下午三点十分》参加第二届全国教师美术作品展览并被评为获奖作品(军事物馆博)、1998年《自行车》组画参加中央美术学院油画系硕士研究生课程班毕业展(中国美术馆)、1998年《艺术杂感》发表在《当代学院艺术》上、2003年论文《美术教育中的情商培养》发表在《光明日报》上、2004年3幅油画作品《风、雨、雪》参加在巴黎举办的《东方即景》油画展(法国巴黎中国文化中心)、2004年荣获吉林省社会科学联合会首次社会科学《优秀成果奖》、1998年入选香港国际交流出版社《世界名人录》、2010年9月油画《关东娃》参加鲁迅美术学院美术馆举办《关东画派》大展(沈阳 鲁美美术馆)、2010年1月文章《美术教育与人文主义精神的培养》发表在《光明日报》上、2010年入选《世界艺术品网》《美术报》2009年度前500名中国优秀艺术家排行榜、2010年油画《鸡》系列参加在英国伯明翰《中国容颜》中国油画展、2011年油画《关东娃》参加关东画派进京展(北京 军博)、2011年油画《关东十月》参加中国美协《化境长城外吾土吾民油画邀请展》(沈阳 鲁美美术馆)、2011年油画《关东娃》参加吉林省美术进京展(北京 中国美术馆)。

文/天 乙

我深信,艺术家的艺术之路是非常艰辛而苦闷的,他不仅要面对浩瀚的艺术海洋与不计其数的艺术作品,面对人类艺术史上各种成熟的以及正在形成的种种艺术理论、思潮、流派,更要面对个人艺术创作力量的弱小和艺术道路的崎岖与狭窄,也要面对艺术家内心体验的深邃与表现手段、技术甚至材料等等障碍。所以,个人艺术创作的基础和在这个技术之上的演变,意味着搏杀、挣扎、割舍、生长、期待……无不意味着一种蜕变般的苦痛。

因为钱文的《五角星》(系列),好长一段时间,我一直关注钱文的创作,关注钱文的艺术创作的苦痛之路,试图简要描述他的艺术创作道路。

[Ⅰ]钱文,1986年毕业于东北师大美术系,1997年结业于中央美院九届油画研修班,现在吉林师大美术学院任教。当初,革命的现实主义和革命的浪漫主义的传统艺术思想在钱文的艺术生活中占据了根本的位置,艺术风格主要学习格列科。东北师大毕业后,创作了《屈原》、《刘胡兰》等明显带有前苏联非常盛行的、富有浓厚“革命的”政治色彩的作品,人物形象“高、大、全”,并且富有标签式的人物神态与动作。这样的起点,说明钱文是喝“革命”的乳汁长大并沿着中国那些年代那种程式化的艺术道路一路走来的艺术家。按照他的早期的或者说艺术起点的创作路子和起始的艺术观念,他应该在标准的写实路线上行走下去。

但是,钱文终究还是不断的发生变化,第一次变化出现在1989年。我们知道,80年代思想相当活跃,甚至有些躁动,无论学者还是艺术家,都经受着一次重大的观念洗礼,都或多或少表现出激越与不安,这里面最突出的表现是对民族传统文化的深思、反省,以至比较直白的反叛与颠覆,不仅艺术领域,即便在思想、文学、影视等等文化领域,都涌动着一股批判的潮流。钱文在这个时期也经历了重大的观念的自我搏杀,但是,这场搏杀的胜利者仍然是根基厚实的写实主义,只不过他固有的创作模式开始做出某些让步,向着古典的照相写实方向跟进。这个时期,钱文受到更多的诸如伦勃朗、依维尔等艺术家的影响,虽然仍然行进在写实主义的道路上,但是,开始摒弃

式,探索另一种写实技巧和表现手法,并且在表现的主题方面开始从社会主流的理想典型向着通过艺术的形式捕捉和表达自我思想与情绪的方向过渡。

这个阶段他创作了《满红像》、《下午三点十分》等代表性作品,显示了伦勃朗式的古典写实风格和依维尔式的照相写实风格,《下午三点十分》中的座钟、瓦罐、蜡烛、烛台、墙壁、桌面,《满红像》的人像神情与斑驳等等,无论构图还是光影透视无不充满古典的情调与审美指征,并且流露出艺术家对于传统文化的疑问、考量和游离。通过对社会存在方式的准确理解和描摹,通过描摹对象的状态表达画家的思想情绪和社会认知。这个阶段,钱文的写实绘画技术素质不断得到完善,练就了很好的写实绘画技能,为他的创作发展打下了很好的基础。

[Ⅱ]1995年以后,钱文受到表现主义和超现实主义等艺术思想的影响,对古典的、传统的艺术形式作出了重新判断,产生了个人的艺术方向的第二次内心挣扎。这个时期,中国当代艺术方兴未艾,正走进蓬勃的发展阶段,钱文再一次受到当代艺术思潮的冲击,尤其是三画室也就是佛洛伊德潜意识理论以及在这种理论影响下形成的超现实主义的艺术流派,对钱文的影响很大,艺术家对世界投注无情的凝视在他的作品中表现得非常充分。我们可以从他这个阶段的人体素描和一些人像作品中看出这样的改变,从图形和色彩上看,开始走出古典写实乃至照相写实的创作模式,尝试对于存在原态的突破,图形开始出现某些变形,色彩的运用也开始显现艺术家内心的印迹和情绪的折射,画法也开始离开长相写实的方法,增添了更多的表现、印象色彩。虽然这些作品依然是具象的表现形式,但是整个视觉效果却明显突破了他自己的艺术价值观,开始走向一个新的时期,成为他艺术创作的一个重大转折和全新的起点。

沿着这样的艺术思想,他还创作了《干花》系列,譬如《有旧红色衬布的干花》等作品,以及关注人们生存状况的《彩虹门》、《手机》(未完成)等。代表了艺术家对于艺术表现对象的本质认识,极力表现人们的社会生存状况,也表现了对于艺术形式与艺术家的社会意识等等的深层拷问。他超越了坚持多年的写实方式,大量地呈现了超现实主义的风格,按照艺术家个人的内心体验深刻探索和呈现社会存在的本质性,表达了艺术家对于外界许多优美的存在样式包括生命样式的直感式的、直觉式的认知,这样的积淀,直接引发了世纪之交对于钱文个人而言比较辉煌的创作。

[Ⅲ]1999年前后,钱文已经汲取了深厚的当代艺术营养,凭借长期积累的写实绘画功底,大步向着当代艺术的目标迈进,并且做出了具有开创价值的艺术表现方式的探索,取得了关键性突破。

他从社会存在的种种样式中开掘个人心理反应的景象,特别是对于中国最具象征意义的五角星、红旗等等形象的审视中,发现一种存在的背后深藏的一些美好、善良、崇高或者腐朽、丑恶、残忍、阴暗、践踏、毁坏……等等。他用一块旧红布围成具有装置意义的五角星、十字、旗帜、地图等,再通过写实绘画艺术的手段表现那些具有国家、地域概念和主流政治概念的图像,揭示艺术家内心关于这些概念下的哲学认知与思想观照。

[Ⅳ]钱文的这种变化无疑是他创作历程的重大转折,具有时代的特征,代表了这样一种趋势,就是从80年代成长起来的艺术家在当代艺术思潮的冲击下,使尽全部力气摆脱古典的、传统的绘画束缚,靠近当代艺术的大潮。

从个人艺术道路的发展规律看,这样的变化是客观必然的,特别是像钱文那样没有彻头彻尾地钻进既存当代艺术的模式,而是在当代艺术思想本质的驱动下按照个人对于社会存在的把握与理解,采用装置-绘画二度创作的方式强调创作主题,是值得肯定的。他把红布围成五角星,本身就是一种艺术创作,旨在表达政治甚至政党与国家概念的糅合与混沌,具有装置艺术的色彩。在此基础上他按照形成的装置影像的心理反应或者心理暗示,运用超现实主义的绘画方式,强化、深化这样的认知。因为在二度艺术创作过程中,他对装置艺术形态的具象做了显著的夸张与强化,使“装置”本身的表述局限得到抑制。在形成的画面上,既有突出的事物生命力部分的鲜亮与强大,也有事物在存在过程中的腐败、罪恶等等的阴暗与死亡,使艺术家的内心独白与心理暗示更加清晰可鉴。

与此同时,钱文并未止步于对于“装置”作品的具象描绘与强化,他还更进一步地对二度创作的艺术作品再度进行艺术抽象,形成具有浮雕效果的艺术图像,彻底突破了他的写实风格,走向从他的创作源头开始的纯粹抽象表现。

到此,我们可以对钱文的艺术创作和艺术线路作一个基本的描述了。

首先,他的艺术创作线路是古典写实----写实为基础的超现实主义的创作风格----当代艺术为基础的装置-绘画表现形式。

这样的线路属于个人艺术风格演进的一般线路,也是一种踏实的、有着深厚基础的前进道路,与那些缺少具象绘画根基大有“涂鸦”之嫌的部分当代艺术家相比,钱文的当代艺术创作更加具有发展的逻辑性,更加具有表现的主动性和表现性。他的作品包括近期的《五角星》系列在内都具有高度的抽象同时也具有基础写实的成分,因此具有图像认知的艺术语言符号,是可以从艺术的角度甚至美术的角度加以感知与体味的。

其次,他的作品具有图式的超越感和开放的想象空间,比如,《五角星》的图像给人的直接感知可能是具有政治色彩的国体、政体的存在形式(因为红布与五角星的视觉认知惯性),也可能是人类赖以生存自然环境的图像(因为山峦沟壑陆地海洋等等地图意味),还可能是人的思想的图像(大脑的具象和运动的图感),等等。说明钱文的创作理念开始从传统写实的跑道起飞,冲向直接表达个人精神品质与思想反射的多元化、开放式解构,并且具有细腻的、可以认知的图式和图像指征。这是作为大众的可以普遍认知的抽象艺术表现的界限,越过这个界限,就进入了除画家以外很难认知的自娱自乐的、自我表现的另一创作领域了。

另外,钱文的“装置-绘画艺术”汲取了装置艺术的创作优势和价值,如红布围成五角星的创作动因与作品效果,同时,还不满足创作的程度,将这样的装置作品用写实绘画的手法进行画家创作思想的进一步刻画、夸张、强化,使作品具有双重认知和审美效果,的确是相当清新且具有开创意义的。

[Ⅴ]钱文的艺术创作道路是一种一般的、从写实绘画做起的、具有深厚写实绘画功夫的艺术道路,这样的路线奠定了他的创作技术基础,为他随着社会的进步和变化同步把握创作观念提供了重要的保障,所以,他能够一步一个脚印地、渐进地完成几次创作风格和创作思想的跨越,能够实现他关于艺术创作形式性实验的方向。

钱文的创作道路,对于当代艺术家的发展道路具有很好的参照价值。

文/钱 文

下面这些文字,是我1999年创作《1999-作品》系列前后,内心对艺术的思考轨迹,它真实的记录了那一段时间我对艺术的理解与追求。

(一)就绘画艺术而言,无非是通过一种图式,反映艺术家对世界的形而上的思考。

图式是艺术家自己独特运用造型,色彩,材料等媒介因素来铸就的,独特运用这些媒介因素表达艺术对客观世界或内心世界真实独特的感受,这种真实感受是艺术创作的源泉,是艺术从传统进入现代奔向未来的源动力。

(二)

一部艺术史,更是一部人类精神发展的历程史,如何通过物质材料来表达精神是古今中外艺术家毕生的共同追求。

一个偶然的机会,我发现角落里的破洞百出、红与黑的双层旧布,与我灵魂深处想寻找的某些感觉相吻合,这些无法用语言能说清楚的感觉,是一种裸露、残忍、破碎、神秘、挣拧,有生命运动的感觉,又都不准确,总之,似乎看到了一事物内在的、私密的、本质的存在,这也许是后来作品精神内涵的来源。

(三)

记得我读过美国的一本叫《艺术形式》的书,说世界的存在是一种形式,艺术是通过一种形式表现对世界的本质存在。

我们的现实世界的本质往往表面的形式所掩盖,人们常常处于“集体无意识”的假面容中,从而导致我们的世界,我们的生命被表面“洁白”的面纱包围,如何拨开表面的面纱,如何用一种绘画语言,来充分淋漓的表达这种私密的、本质的存在是我一直思考的。

通过五角星、十字、旗帜———等这些文化符号做为作品中形象的外形,来表达这种私密的本质的存在,更增加对文化、历史的直面剖析。

随着心路的拓展,创作永远是趋向完整、成熟,但永远也达不到完整、成熟,这样灵魂深处的心路会永远引导我前行!

这是钱文中央美院油研班毕业论文之一,当时受到钟涵、苏高礼先生的好评,并发表在《当代学院艺术》98.1期上。

钱文

这些文字是与友人谈天时即兴所为,是对这些问题的个人看法,内容基本上限于架上绘画,一定有许多偏激与不妥,诚请师友们教正。

(一)

就绘画而言,无非就是造型的表情加上色彩和材料的表情,传达形而上的艺术。

(二)

现在人们吃的食品都要求“绿色食品”,亦即野生的、自然生长的。

在艺术作品中出现的修饰、浮华是虚伪、卖弄、哗众取宠、正如女人上厚厚的胭脂。

王式廓先生素描作品大展人们激动了。

现在很多人都喜欢儿童的画,也正是由于他们画的天真、朴实。在他们幼小的心灵里还不知道卖弄的“ 价值”。

朴实与艺术共存。

(三)

对技巧理解。绘画的历史也就是人的视觉向客体追问的历史。任何一位大师的确立,都是直觉感悟客体独特的结果。然后,运用一种手法把这种感受准确地表现出来,这种手法就是技巧。

所以学习艺术首要应是如何学会用自己视觉去观察感悟客体、并非是技巧。

技巧是表达情感、感受的媒体,如果没有情感和感受,技巧也就失去了存在的意义。

(四)

对艺术的真诚应该来自对传统时代、民族、艺术家自己的尊重,并不是对艺术的表面执着。

(五)

严格意义上讲,所有的艺术品都是艺术家追求的艺术理想的表现。由于传达方式的不同分成了古典派、写实派、超现实、表现派、抽象派等表现手法,这种绘画语言的确定,是艺术家性格、气质、修养、观念与所处时代等共同促成的。

(六)

历史原是一片漆黑,我们之所以能回首摸出道路,就是靠如夜空繁星般的伟大历史的照耀。艺术之所以能向前拓展,就是由于中外古今大师们的教导,“温故知新”的结果。

艺术史上继承传统而成功的是大有成者,“反叛”传统的大成者也有之,如杜尚,是在对

传统艺术深刻理解的基础上,才在《蒙娜丽莎》脸上加上了胡子,把小便器拿到博物馆展出的。真可谓“冬去春来”“柳暗花明又一村”。从这种意义来看也是“温故知新”的结果,是对传统的最好继承。

(七)

风格是艺术家在表达情感观念等时所用的媒介。为准确表达创造意图逐渐锤炼成一种独特的形式语言,这种独特的形式语言,就是这个艺术家的风格。

一位艺术家风格的形成在一定意义上讲是必然,而不是选择的结果。

(八)

艺术家独特的非理性感觉,并真实再现这种感觉是非常重要的,它往往是一种风格的开始,甚者可能启动一个时代。

(九)

不是艺术品表面如何接近客观对象,而是艺术家情感、观念等的真实反映。“罗可可”的一些作品不真实,粉饰了。反而梵高、莫迪利阿尼、席勒的作品很真实。

(十)

看了路德维希捐赠的现代艺术品,一些优秀作品深沉的重量感通过视觉,震撼着观者的心。

想到国内展览中的一些作品总是厚厚的,张扬之极,似乎硬跳出来想把其他作品压住。

(十一)

美术教学中提出的“大东西”,我们理解它不仅仅是整体、概括、单纯。。。。。。把握画面,更是对艺术家胸怀、气度的培养。实则是对艺术家品格的锤炼。

(十二)

教学方法的思考

任何妨碍学生直接真实感受客观对象,开发每个学生独特感受能力并把对象直接表现出来的教学方法,去按照某种故有的程式技法去教学,终会给教学造成概念僵化,形式教条的恶果!

(十三)

素描中的边线,明暗交界线与灰色调的关系。

边线所围成的形状是提供大的形象特征,大的形象表情的根本最大形体转折的位置,是顶重要的,直接影响造型的质量。

明暗交界线与灰色调,是提供形象的具体特征,明暗交界线是把对象画立体的重要手段之一。不要把它们放在不适当的位置,而减弱边线的价值与意义。有一些素描习作,调子丰富,很立体,可就是画的不具体、不结实,大的形象特征就是出不来,其原因正是边线, 大形把握的力度不够的结果。其实大师无不是边线即大形的大成者,诸如,米开朗基罗, 安格尔、马提斯、毕卡索、范宽梁楷等。

格式塔心理学的结论表明,整体表现力大于局部表现力之和,所以,边线(大形)表现力的训练,就显得十分重要了。

(十四)

在一幅作品里,并非找出色彩丰富的微差。所获丰富的色彩变化,就这样会减弱大的对比力度,重要的只要有几个大的颜色,处理好它们之间的关系,如:明度、色度、令暖、面积等,色彩的音响,力度就足矣了,其余的也就是造型和材料运用 上的工作了。

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